USA.
2017. Regie und Buch: James Gunn: Mit: Chris Pratt, Zoe Saldana,
Bradley Cooper, Dave Bautista, Vin Diesel, Michael Rooker, Karen
Gillan, Pom Klementieff, Kurt Russell, Elizabeth Debicki, Chris
Sullivan, Sean Gunn, Sylvester Stallone, Tommy Flanagan, Stan Lee,
Aramis Knight u.a. Länge: 137 Minuten. Freigegeben ab 12 Jahren. Ab
27. April 2017 im Kino.
Story: Die
Abenteuer der "Guardians of the Galaxy" gehen weiter, und
diesmal führt sie ihr Trip bis an die äußeren Grenzen des Kosmos.
Die Guardians müssen um ihre neu gefundene Familie kämpfen, während
sich das Geheimnis um Peter Quills wahre Eltern langsam lüftet.
Dabei wandeln sich alte Feinde zu neuen Verbündeten, und auch einige
neue Charaktere tauchen auf der intergalaktischen Bühne auf.
Kritik: 2014
überraschte James Gunn uns alle mit seiner Weltraumoper Guardians of
the Galaxy. Der Film war, trotzdem die Guardians selber zu dem
Zeitpunkt der breiten Masse recht unbekannt waren, ein riesiger
Erfolg. Das lässt sich vor allem dadurch erklären, dass sich der
Film, obwohl er Teil des Marvel Cinematic Universe ist, überraschend
eigenständig und frisch angefühlt hat. Er stand für sich und
wirkte nicht nur wie ein weiteres Puzzleteil im MCU. Entsprechend
erwartungsvoll stehen die Fans nun dem zweiten Teil der Reihe
gegenüber. Doch können diese Erwartungen überhaupt erfüllt oder
gar übertroffen werden? Ein zweiter Teil kann sich
selbstverständlich nie so frisch und originell anfühlen wie der
erste, doch genau das fordern scheinbar viele ein. Allerdings wäre
James Gunn nicht James Gunn, wenn er mit diesem Problem nicht fertig
werden würde.
Der
zweite Teil der Reihe konzentriert sich sehr stark auf das Thema
Familie. Jetzt mag man schnell an ein anderes Franchise denken, dass
gerade mit seinem neusten Beitrag einen enormen Erfolg feiert, doch
könnte das Verständnis von Familie in den beiden Filmen kaum
unterschiedlicher sein. Während uns bei Fast and Furious eine
bedingungslose Liebe innerhalb der "Familie" vorgegaukelt
wird, sehen wir bei den Guardians einen wirklichen Zusammenhalt, der
auch durch nicht abwendbare Konflikte nicht gebrochen werden kann.
Allerdings geht es in Guardians of the Galaxy Vol. 2 nicht nur um
Familie im übertragenen Sinne, sondern auch im wörtlichen. Star
Lord trifft im Film nämlich auf seinen leiblichen Vater Ego.
Verkörpert von Kurt Russel will dieser seinem Sohn der Vater sein,
der er vorher nicht sein könnte und ihm erklären, was seine Rolle
im Leben ist. Also begleiten die Guardians ihn kurzerhand auf seinen
Planeten um mehr zu erfahren. Und auch wenn Star Lord das Gefühl,
dass ihm seine "richtige" Familie bringt sehr genießt,
muss er im Verlaufe des Films feststellen, dass die Erwartungen die
man an seinen leiblichen Vater hat nicht immer erfüllt werden.
Insgesamt
ist Guardians of the Galaxy Vol. 2 ein überraschend emotionaler
Film. Genau mit dieser Emotionalität versucht Gunn auch die fehlende
Frische des Films auszugleichen – mit Erfolg. Sei es die Beziehung
zwischen Star Lord und seinem Vater, Gamorra und ihrer Schwester oder
Drax Vergangenheit, egal wie kitschig die einzelnen emotionalen
Momente des Films auch sein mögen, sie funktionieren. Der Grund
dafür liegt im Umgang mit dem Kitsch. Der Film ist sich dessen
nämlich stets bewusst und geht das ganze mit einem lächeln an. In
seinen besten Momenten schafft er es dadurch, dem Zuschauer die ein
oder andere Träne abzuringen. Etwas, dass man von einem Guardians of
the Galaxy Film nicht unbedingt erwarten würde. Doch keine Sorge,
dabei kommen Action und Humor keinesfalls zu kurz – im Gegenteil.
Gunn feuert im Minutentakt mit Witzen auf uns, die dankenswerterweise
auch alle noch sehr treffsicher sind und inszeniert die Action wieder
sehr gekonnt.
Das
der Humor so gut funktioniert ist aber nicht nur Gunn und seinem
fabelhaften Drehbuch zu verdanken, sondern vor allem dem
komödiantischen Talent der Darsteller. Chris Pratt, Zoe Saldana,
Dave Bautista, Vin Diesel, Bradley Cooper, Michael Rooker und Karen
Gillan kehren in ihre Rollen aus dem ersten Teil zurück und schaffen
es in den besten Fällen ihre Leistung im ersten Teil noch zu toppen.
Dank James Gunns ausgeglichenem Drehbuch, stiehlt auch kein
Darsteller dem anderen die Show. Jeder Darsteller bekommt seine
Momente und wird dem Zuschauer auch nach dem Film im Gedächtnis
bleiben. Eine Rarität in Ensemblefilmen. Allerdings sei erwähnt,
dass Michael Rooker und Karen Gillan in diesem zweiten Teil eine
wesentlich größere Rolle spielen als noch im ersten. Insbesondere
Michael Rooker bekommt dabei einige schöne Momente spendiert, die
sowohl seinem Talent, als auch seinem Charakter mehr als gerecht
werden. Da wir schon so viel von Familie sprechen, soll auch James
Gunns Bruder Sean Gunn als Kraglin nicht unerwähnt bleiben. Im
zweiten Teil spielt auch er eine wesentlich größere Rolle. Das
fühlt sich aber nicht nach Vetternwirtschaft an, sondern macht für
den Film durchaus Sinn. Sein komödiantisches Talent, dass er schon
in einigen Serienformaten und auch im ersten Guardians Film unter
Beweis stellen konnte, kann er in seiner Rolle vollends ausleben.
Neben den altbekannten Gesichtern stoßen aber auch zwei neue Größen
dem Cast hinzu. Kurt Russel scheint die perfekte Wahl zu sein, um
Chris Pratts Vater zu spielen. Beide haben einen ähnlichen Charme,
beide eine ähnliche Attitüde. Das sorgt für eine unheimlich
stimmige Chemie zwischen den beiden, so dass man ihnen die Vater Sohn
Beziehung von der ersten Sekunde an abkauft. Auch Pom Klementieff als
Mantis ist eine willkommene Erweiterung. Sie und Drax sorgen für
einige der größten Lacher im Film. Insgesamt merkt man dem Cast an,
dass sie sich untereinander verdammt gut verstehen und irre viel Spaß
beim Dreh hatten - und das ist unbezahlbar.
Natürlich
darf auch die Musik nicht vergessen werden, die bereits im ersten
Teil eine essenzielle Rolle spielte. In Vol. 2 versucht Gunn etwas
neues. Während der Soundtrack des ersten Films gut ins Ohr ging und
man ihn ohne Probleme in Dauerschleife hören konnte, baut Gunn den
Soundtrack des zweiten Teils besser in den Film ein. So ist einer der
Songs gar ein wichtiger Plot Point. Dadurch ist der Soundtrack zwar
nicht so gut hörbar wie der erste – wenn auch trotzdem noch gut
hörbar – spielt aber für den Film selbst eine wichtigere Rolle. Doch
es ist nicht alles Gold was glänzt. Und ja, das ist eine Anspielung
auf die Goldenen Wesen im Film. Das Volk – Enclave genannt –
sorgt zwar für den ein oder anderen guten Lacher zu Beginn des
Films, hat aber über den gesamten Film verteilt zu viel Screentime.
Zu oft sehen wir, wie sie an ihren in Steuerapparaten für die
Drohnen sitzen und sich darüber aufregen, dass die Guardians sie
erneut zurückschlagen. Die ersten Male mag das noch ganz witzig
sein, nutzt sich aber leider recht schnell ab. Dass das der einzig
große Kritikpunkt am Film ist sollte aber zeigen, wie gelungen der
Film in seiner Gesamtheit ist.
Fazit:
In Guardians of the Galaxy Vol. 2 vereint James Gunn alles, was wir am
ersten Teil so geliebt haben: Toll inszenierte Action, treffsicherer
Humor und viel Herz. Anstelle der Frische und Originalität des
ersten Films, bietet er wesentlich mehr Emotionen. Dadurch ist
Guardians 2 nicht unbedingt besser, aber in keinem Fall schlechter
als der Erste.
Fakten: The Hateful Eight
USA. 2015. Regie und Buch: Quentin Tarantino. Mit: Samuel L. Jackson, Walton
Goggins, Jennifer Jason Leigh, Kurt Russell, Demir Bachir, Tim Roth, Michael
Madsen, Bruce Dern, Channing Tatum, Zoe Bell, Lee Horsley, Gene Jones, James
Parks u.a. Länge: 167 Minuten. FSK: freigegeben ab 16 Jahren. Auf DVD und Blu-ray erhältlich.
Story: Wyoming, einige Jahre nach dem amerikanischen Bürgerkrieg: Eine Kutsche
bahnt sich mühsam ihren Weg durch den Schnee in Richtung der Stadt Red Rock. An
Bord befinden sich der Kopfgeldjäger John "The Hangman" Ruth, dessen
Gefangene Daisy Domergue sowie der Anhalter Major Marquis Warren, der früher
Soldat war und nun ebenfalls als Kopfgeldjäger sein Geld verdient, und Chris
Mannix, ein Deserteur aus den Südstaaten, der behauptet, der neue Sheriff der
Stadt zu sein. Ein Schneesturm zwingt die Gruppe zu einem Zwischenstopp in
Minnies Kleinwarenladen. Sie treffen dort zwar nicht auf Minnie aber dafür auf
den mysteriösen Mexikaner Bon, auf den verschwiegenen Cowboy Joe Gage, auf den
Konföderierten-General Sandford Smithers sowie auf Oswaldo Mobray. Während der
Sturm draußen immer heftiger tobt, begreifen die acht Fremden, dass ihr
Zusammentreffen vielleicht gar nicht so zufällig ist und sie Red Rock
möglicherweise nie erreichen werden...
Meinung: Cast und Crew brechen in gelben Lettern über die
Leinwand, in Ennio Morricones Streichern dräut die sich anbandelnde Gefahr,
während eine Jesusfigur, die den Schnee wie Lasten auf den Schultern trägt, im
ewigen Weiß langsam zu verschwinden droht. Und mittendrin eine Kutsche, die
sich mühevoll ihren Weg durch die Schneemassen zu bahnen versucht, bevor sie
wirklich die Muskeln spielen lassen, die einschüchternden
Witterungsverhältnisse, die das zerstreute Amerika des 19. Jahrhundert hier
heimgesucht haben. Schon die ersten Minuten von „The Hateful Eight“ sind
beeindruckend, weil Quentin Tarantino es wieder einmal verstanden hat, wie
signifikant es sein kann, Bilder für sich allein sprechen zu lassen, um ein
Gefühl präzise zu vermitteln. Tatsächlich, und darin liegt ein Großteil des
Genies, mit dem Quentin Tarantino „The Hateful Eight“ angegangen ist, werden
die süffisant ausgekosteten Dialogsequenzen der visuellen Ebene im weiteren
Verlauf der Handlung keinesfalls den Mund verbieten, sie gehen vielmehr eine
vor Cinephilie gar brodelnde Allianz ein.
Aprés-Ski im Western-Stil
„The Hateful Eight“ nimmt den Zuschauer mit in das
Herz eines Landes, welches nach wie vor mit den Verheerungen des
Sezessionskrieges zu ringen hat. Und das ist der Punkt, an dem man dem Glauben anheimfallen
könnte, Quentin Tarantino hätte erneut eine historische Projektionsfläche gewählt,
um seinen Gewaltphantasien ein stattliches Ablassventil zu überreichen. So viel
sei gesagt: Mit Sicherheit zählt „The Hateful Eight“ zu den brutalsten (rein
vom viszeralen Einschlag) Filmen, die Quentin Tarantino bisher unter seine
Ägide genommen. Gerade im letzten Drittel werden Gliedmaßen vom Torso gehackt,
Blut schwallartig aus den Kehlen befördert und auch Köpfe dürfen ein ums andere
Mal orgiastisch explodieren, damit der rote Lebenssaft die Wände auch endgültig
neu bestrichen hat. Die Tarantino'esken Exzesse sind durchaus vorhanden,
allerdings erleben wir in „The Hateful Eight“ kein primitives Spielkind,
welches sich an sinnloser Brutalität ergötzt; keinen geifernden Voyeur, der
sich zum Ziel gesetzt hat, möglichst viele Menschen möglichst garstig ins
Jenseits zu befördern. Tarantino operiert hier auf politischer Ebene.
Endlich wieder mit an Bord: Tim Roth
Natürlich baut der Mann bewusst auf offenkundig
Dissonanzen in der Tonalität, in der Essenz, neben all seinen spielerischen
Zugeständnissen an Genre-Eigenheiten, ist „The Hateful Eight“ ein Film, der das
Post-Civil-War-America beschreibt und damit einen Kampf der Ideale in einer
urigen Hütte austragen lässt, der zwar zwangsläufig in einem Blutbaden enden
muss, aber keinesfalls einem reservierten Nihilismus einwilligt, sondern – und
das jetzt wird es für Tarantino Verhältnisse ungewöhnlich sanft – an die
Hoffnung appelliert. In dieser Hütte auf einem Gebirgspass, in der acht
verschiedene Persönlichkeiten nach und nach aufeinandertreffen, um einem
Schneesturm, der sich bereits über der Bergkette im Umkreis in Formation
gebracht hat, zu entwischen, findet sich der Norden als auch der Süden wieder.
Ein Panoptikum der Selbstdarsteller, möchte man meinen, dieses achtköpfige
Gespann bildet eine grelle Ansammlung aus Falschspielern, Scharlatanen und
Nutznießern. Allerdings vollbringt Quentin Tarantino es, die Beteiligten in
diesem Kammerspiel nicht zu bloßen, zweckdienlichen Karikaturen verkommen zu
lassen.
Diesmal nicht als Sklavenhändler unterwegs: Walton Goggins
Er geht tiefer, jedenfalls in Bezug auf Major
Marquis Warren (Samuel L. Jackson) und Chris Mannix (Walton Goggins), die zu
Beginn noch ideologische Konflikte auszutragen haben, nach und nach aber zu
einer Gemeinschaft heranwachsen, die nicht nur für den Moment Freundschaft
möglich macht, sondern die Nord- und Südparteien auch für die Zukunft in der
Herstellung respektive Erhaltung von Gerechtigkeit (gerade, weil sich Justitia
als flüchtige Schattengestalt präsentiert) zusammenschweißt. Wie Quentin
Tarantino diesen Hoffnungsschimmer herstellt, ist natürlich von einem
charakteristischen Zynismus begleitet, doch es steht außer Zweifel, dass
Tarantino weit darüber hinaus gegangen ist, mit Figuren aufzuwarten, die einzig
über das schiere Schlagwortbedienen funktionalisiert wurden. Man hat sich also
nach „Django Unchainend“ durchaus weiterentwickelt und verstanden, welch
immensen Wert man einer dreidimensionalen Prägnanz innerhalb der
Charakterbeschreibung beimisst, gerade bei einem solch komprimierten Setting.
Da passt es natürlich auch wieder einmal wunderbar ins Bild, dass sich das
gesamte Ensemble herrlich spielfreudig (ein Samuel L. Jackson sogar
awardwürdig) gibt.
Neben seiner Lust am Parlieren, die Tarantinos rhetorische Finesse mal wieder
überdeutlich zur Geltung bringt, birgt „The Hateful Eight“ auch ein herrliches
Vexierspiel um Realität und Fiktion in sich, wenn er nicht nur den
geschichtlichen Kontext nutzt, um eine fiktive Geschichte zu erzählen, sondern
auch mit Charakteren aufwartet, die sich ihrer verschmitzten Janusköpfigkeit
schlicht nicht verschließen können und damit den Diskurs über Wahrheit und Lüge
vom Subtext geradewegs in den Primärtext transferieren. Es ist die erneute
Meditation über die mannigfachen Möglichkeiten der Narration und die einzelnen
Plateaus der Erzählmethodik, die allesamt einen neuen Blickwinkel offenbaren.
Ohne Frage, es macht Spaß, diesem Film zu folgen, weil er nicht nur die
üblichen Tarantino-Manierismen voller dialogisch-ästhetischem Schwung auf die
Leinwand knallt, sondern auch, weil er den Zuschauer durch sein formidables
Handwerk ohne Anlaufschwierigkeit in die Leinwand zieht. Weit über 20 Jahre
dürfen wir nun Zeuge davon werden, wir sich Tarantino quer durch die Popkultur
fräst und paraphrasiert, und sein Hunger scheint noch lange nicht gestillt. Zum
Glück, möchte man angesichts „The Hateful Eight“ meinen.
US, 2015. Regie & Buch: S. Craig Zahler. Mit: Kurt
Russell, Patrick Wilson, Matthew Fox, Richard Jenkins, Lili Simmons, David
Arquette, Sean Young, Sid Haig u.a. Länge: 132 Minuten. FSK: Freigegeben ab 18
Jahren. Ab dem 21. Januar 2016 auf DVD und Blu-ray erhältlich.
Story:
Eine Gruppe unbekannter Angreifer überfällt unbemerkt ein
Dorf bei Nacht, tötet einen Mann und nimmt drei weitere Gefangene, darunter
auch die Frau eines verletzten Cowboys. Der will seine Frau natürlich retten
und schließt sich mit dem Sheriff, einem alten Trottel und einem edlen Killer
zusammen. Die Rettungsmission führt die vier ungleichen Männer durch allerhand
Gefahren.
Meinung:
Das Debüt eines jungen Regisseurs verdient
verständlicherweise immer besonderes Augenmerk, ein unbekanntes Element wird in
die Gleichung gebracht und gespannt fragt man sich ob in ihm vielleicht ein
größeres Talent schlummert. Bei S. Craig Zahler handelt es sich um einen
solchen Mann, der mit „Bone Tomahawk“ ein auf dem Papier höchst interessantes
Projekt entworfen hat. Horrorwestern mit Kannibalen findet man nicht an jeder
Ecke, der fertige Film kann die hohen Erwartungen aber nur zum Teil erfüllen,
was jedoch weniger an der Qualität sondern vielmehr an der falschen
Erwartungshaltung liegt.
Bereit zur Rettungsmission
Wer sich von „Bone Tomahawk“ einen rasanten Genremix
erwartet wird zwangsläufig enttäuscht werden, denn über weite Strecken handelt
es sich bei dem Film um einen sehr geerdeten Western. Schon die Geschichte ist
typisch für das Genre, ein Überfall, eine Entführung und schließlich die
Rettungsaktion. Oftmals sind es Indianer, hier bekommen wir es mit Kannibalen
zu tun, was der kompletten Verfolgung zwar mehr Dringlichkeit verleiht, für den
Zuschauer jedoch keinen großen Unterschied macht. Auch die Charaktere sind die üblichen
Archetypen, die man so schon unzählige Male gesehen hat, aber auch immer noch
gerne sieht, denn das Vierergespann im Kern der Geschichte wirkt wie ein
Best-of beliebter Westernfiguren. Zum einen der erfahrene und rechtschaffene
Sheriff (herrlich von einem graubärtigen Kurt Russell verkörpert), dazu einen
alten und etwas idiotischen Hilfssheriff und einen kaltblütigen Killer, den
eine private Rachegeschichte verfolgt. Komplettiert wird die Gruppe vom
emotionalen Dreh- und Angelpunkt der Geschichte, einem verletzten Cowboy, der
die Liebe seines Lebens aus den Fängen der Kannibalen befreien will. In
Interaktion miteinander funktionieren die Charaktere dabei auch ausgezeichnet,
Streitgespräche und Dialogspitzen liefern einige pointiert gesetzte Lacher und
die Dynamik in der Gruppe sorgt dafür, dass man sie als Zuschauer gern bei
ihrer Reise begleitet. Konflikte untereinander werden nur angedeutet, was dem
Film im Ganzen aber keinen großen Abbruch tut.
Rat mal, wer zum Essen kommt...
Einen Hauptteil der Handlung nimmt die besagte Reise ein,
die sich schnell als ein kräftezehrender und gefährlicher Trip entpuppt. Für
alle Beteiligten wird der Weg zu einem Kampf mit der widerspenstigen Wildnis
und im speziellen Fall von Patrick Wilson und seinem gebrochenen Bein auch mit
sich selbst. Diesen Überlebenskampf fängt Zahler in langsamen, aber sehr
stilsicheren Bildern ein und lässt die Szenerie damit zu einem unbarmherzigen
und ungemütlichen Ort werden. Die ein oder andere Straffung in den ersten zwei
Drittel hätte dem Film dabei sicher gut getan, zwar verkommt er trotz langsamen
Pacing nie zu einem Langweiler, durch eine etwas rasantere und zielstrebigere
Inszenierung hätte man jedoch noch deutlich mehr Potential aus dem Film kitzeln
können. Im mitreißenden Finale wirft „Bone Tomahawk“ dann schließlich seine
komplette Langsamkeit über Bord und schafft es zu einem rasanten
Actionspektakel zu werden. Hier zeigt sich auch warum der Film als Horrorfilm
betitelt wird, mit expliziten Gewaltszenen versehen gelingt es dem Höhepunkt zu
einem brachialen und mitreißenden Kampf zu werden, indem beide Parteien
miteinander kollidieren und physische Gewalt erbarmungslos aneinander kracht.
Durch die vorangegangene Ruhe der Inszenierung wirken die Gewaltspitzen noch
heftiger und erzeugen allein schon durch ihr plötzliches und unbarmherziges
Auftreten für Spannung.
In seinem Regiedebüt beweist Craig Zahler nicht nur Gespür
fürs Westerngenre, sondern schafft es auch atmosphärisch stimmige Bilder zu
erzeugen. Zwar hätte der Film an manchen Ecken durchaus eine Straffung
vertragen können, das dahinter stehende Gerüst weiß jedoch zu überzeugen. Ein
eigensinnig, aber durchaus geglücktes Experiment, dass Zahler auf jeden Fall zu
einem Regisseur macht, den man in den nächsten Jahren im Auge behalten sollte.
Fakten: Fast
& Furious 7 – Zeit für Vergeltung (Furious 7)
USA. 2015. Regie: James Wan. Buch: Chris Morgan. Mit: Vin Diesel, Paul Walker,
Dwayne Johnson, Jason Statham, Tyrese Gibson, Michelle Rodriguez, Chris „Ludacris“
Bridges, Jordana Brewster, Kurt Russell, Ronda Rousey, Tony Jaa, Lucas Black, Elsa
Pataky, Djimon Hounsou, Ali Fazal, John Brotherton, Noel Gugliemi, Luke Evans
u.a. Länge: 137 Minuten. FSK: freigegeben ab 12 Jahren. Im Kino.
Story: Seitdem die Crew rund um Dom Toretto und DSS-Agent Luke Hobbs den finsteren
Ex-SAS-Agenten Owen Shaw erledigt hat, ist ein Jahr vergangen. Das Team
gespannt sich in der Heimat, doch schon bald quietschen wieder die Reifen, denn
Shaws Bruder Deckard, will Vergeltung und er tut alles, um diese zu bekommen.
Meinung: Man muss
es sich einfach nochmal auf der Zunge zergehen lassen: Das einst so reizlose
„The Fast and the Furious“-Franchise rast in diesem Jahr mit quietschenden
Reifen tatsächlich schon in die siebte (!) Runde. Wer hatte nach dem
desaströsen „The Fast and the Furious – Tokyo Drift“ schon eine Ahnung von dem
qualitativen Quantensprung haben können, der sich in „Fast & Furious –
Neues Modell. Originalteile“ schon leise anbahnte, in „Fast & Furious 5“
dann aber wie entfesselt aus allen Nähten platzte. Inzwischen hat sich die
Reihe zu einem wahren Happening entwickelt, welches nicht nur Autofanatiker
anlockt, sondern auch den Action-Fans der alten Schule das Bäuchlein pinselt.
Wenngleich der immer noch durchaus gelungene „Fast & Furious 6“ zwar nicht
an den furiosen Vorgänger anknüpfen konnte, hat es nun mit „Fast & Furious
7 – Zeit für Vergeltung“ die Episode in die Lichtspielhäuser geschafft, auf der
die meisten Augen gerichtet sein werden - Und das selbstverständlich aus einem
äußerst tragischen Umstand heraus.
Big Gun, Big Fun
Der schockierende Unfalltod
des gerade einmal 40-jährigen Paul Walkers am 30. November 2013 legt sich wie
ein melancholischer Schleier fortwährend deutlich spürbar über das Haupt der
Produktion. Es wäre eine auf Verlogenheit basierende Lüge, würde man Paul
Walker nun aufgrund seines plötzlichen Dahinscheidens als außergewöhnliche
Schauspielgröße über den grünen Klee hieven, eine akzeptable Genre-Type aber
steckte zweifelsohne in dem blonden und blauäugigen Sonnyboy aus Kalifornien.
Wie also wäre es möglich, Paul Walkers letzten Auftritt pietätvoll umzusetzen,
ohne seine Figur, den ehemaligen FBI-Agent Brian O'Connor, grobschlächtig aus
dem Film zu schreiben, wie es zuerst versucht, zum Glück aber nicht umgesetzt
wurde. Mit Hilfe passender Body Doubles (seine Brüder Cody und Caleb Walker
standen postwendend parat) und den erstaunlichen Fähigkeiten der
Hochleistungsrechner, dürfen wir uns nun nicht nur an Paul Walkers
130-minütigen Vermächtnis sattsehen, sondern auch jede Menge Spaß dabei haben,
bis – womöglich – auch mal eine salzige Perle aus dem Knopfloch gewischt werden
darf.
Stuntman Mike hat in "F&F7" nur gute Absichten, oder?
Um es vorweg gleich klarzustellen: Das Drehbuch von Chris Morgan ist genauso
krude, wie wir es vom Franchise seit jeher gewohnt war. Unwahrscheinlichkeiten
und sonderbare Schnellschussherleitungen pflastern den Weg von einem
sensationellen Set Piece zum nächsten. Es macht aber auch gar keinen Sinn, sich
an den klaffenden Logiklöchern von „Fast & Furious 7 – Zeit für Vergeltung“
aufzureiben, bekommen wir doch wieder einmal eine grelle Action-Sause serviert,
die sich rein durch ihre Fotografien zu artikulieren versteht. Nachdem in „Fast
& Furious 6“ halb London in Schutt und Asche gelegt wurde, um den
niederträchtigen Owen Shaw (Luke Evans) das verruchte Handwerk zu legen, ist es
nun sein Bruder Deckard (Jason Statham), dem es nach Rache dürstet. Und so
etabliert sich „Fast & Furious 7 – Zeit für Vergeltung“, der mäßige Untertitel
verrät es bereits, erst einmal als nach alttestamentarischen Prinzipien
ausgerichteter Revenge-Flic, in dem Jason Statham unsere liebgewonnene Gruppe
um Dominic Toretto (Vin Diesel) und Co. nacheinander zerschlagen möchte.
Das kommt davon wenn im Autoradio immer "I believe I can fly" dudelt
Natürlich hat er sich da mit den Falschen angelegt, auch wenn er Muskel- und
Charismaberg Dwayne Johnson zu Anfang direkt mal auf die Krankenstation
befördern darf. Mit James Wan hat das „The Fast and the Furious“-Universum nun
auch einen Regisseur gefunden, der es versteht, wie man zünftig Krach macht. Wo
die grobmotorische Handhabung Wans in seinen dürftigen Horror-Hommagen
„Insidious“ oder „The Conjuring – Die Heimsuchung“ noch negativ aufstieß, kommt
nun quasi mit seiner Person und „Fast & Furious 7 – Zeit für Vergeltung“
das zusammen, was auch zusammen gehört. Dass dem australischen Filmemacher auch
gleich die Ehre zuteil werden sollte, ausgerechnet diesen vom Schicksal
emotional besonders aufgeladenen und irgendwie morbide erscheinenden Teil unter
seine Fittiche zu nehmen, hat wahrscheinlich einige Anspannungen auszustehen in
Anspruch genommen. Wan aber macht seine Sache ordentlich bis ziemlich gut und
beherrscht es partiell vortrefflich, den kinetischen (Über-)Druck, der in den
aufgeplusterten Fotografien kontinuierlich wabert, wie ein Schuljunge im
Spielzimmer freizulegen.
Freilich ist es unlängst Usus geworden, dass die physikalischen
Gesetzmäßigkeiten innerhalb der „The Fast and the Furious“-Vehikel außer Kraft
treten, „Fast & Furious 7 – Zeit für Vergeltung“ aber ist nun endgültig an
einem Punkt gekommen, an dem die Übertreibung nicht mehr nur einfach vollzogen
wird, sondern wie eine penetrante Neonreklame über allen halsbrecherischen Set
Pieces justiert wurde: Infernalische Pyrotechnik, todessehnsüchtige Sprünge mit
dem Automobil von einem Wolkenkratzer zum nächstgelegenen und wenn sich einer
der Boliden dann mal wieder überschlägt, dann gleich unzählige Male, selbst in
den luftigsten Höhen, um dann noch einen Abhang hinunter zu dreschen und
gnadenlos in ein anderes Gefährt hineinzuschleudern. „Fast & Furious 7 – Zeit für Vergeltung“ generiert wirklich entzückenden Proll-Überschwang, sobald
es kracht, leuchten die Augen, und dass sich die markigen Charaktere ohnehin
langsam ins Herz gespielt haben, macht die letzte Sequenz erst so richtig
gewichtig. Niemand hätte wohl gedacht, dass es irgendwann mal wirklich in den
Bereich des Möglichen rutschen würde, eine „The Fast and the Furious“-Episode
zu sehen, die tatsächlich berühren darf.
