Review: ENTERTAINMENT – Ein unbequemer Blick auf die Comedy-Szene

Fakten:

Entertainment

US, 2015. Regie: Rick Alverson. Buch: Rick Alverson, Gregg Turkington, Tim Heidecker. Mit: Gregg Turkington, John C. Reilly, Tim Heidecker, Michael Cera, Tye Sheridan, Amy Seimetz, Dean Stockwell u.a. Länge: 102 Minuten. FSK: Freigegeben ab 16 Jahren. Ab dem 15. September 2016 im Kino.

Story:

Ein namenloser Comedian tourt mit seinem überaus unkonventionellen Bühnenprogramm durch die Mojave-Wüste. Seine Reise führt ihn in kleinere Bars oder auf überschaubar besuchte Geburtstagspartys, wo seine kontroversen Auftritte gelangweilte bis aggressive Reaktionen hervorrufen. In seinem Inneren ist der stets traurig-deprimiert dreinblickende Comedian aber ein zutiefst unglücklicher, einsamer Mensch, der sich zunehmend zwischen Kunstfigur und dem Menschen dahinter verliert und auf dem Weg durch die Mojave-Wüste skurrile Begegnungen macht, während sein Ziel ein ungewisses bleibt.

Meinung:

Nur wenige Filmtitel führen wohl so in die Irre wie der von Rick Alversons "Entertainment". Von Unterhaltung könnte dieser depressive, dunkle Brocken kaum weiter entfernt sein, denn schon lange ist es keinem Film mehr gelungen, den Zuschauer in einen derart unbequemen Dauerzustand des unbeholfenen Zähneknirschens zu versetzen, bei dem das Gefühl entsteht, als würden Fäuste auf die Magengrube einschlagen.

Untypischer könnte ein Komiker kaum aussehen

Ein in die Jahre gekommener, skurril aussehender Stand-up-Comedian tourt durch die Mojave-Wüste, um überwiegend unbeeindruckte bis genervte Zuschauergrüppchen in kleineren Bars oder auf Geburtstagspartys mit seinem Bühnenprogramm zu bespaßen. Bei diesem Programm handelt es sich allerdings nicht um die altbekannte Aneinanderreihung mal mehr, mal weniger zündender Gags. Der namenlose Komiker agiert ausnahmslos mit einer Kombination aus groteskem Anti-Humor, gemeinen Beleidigungen gegen protestierende Leute aus seinem Publikum oder bizarren Pointen, die so schlecht sind, dass sie die Bezeichnung gar nicht verdienen. "Entertainment" wirkt so, als hätte Quentin Dupieux, einer der aktuell auffälligsten Surrealisten des Kinos, "Inside Llewyn Davis" von Ethan und Joel Coen mit einem Stand-up-Comedian anstelle eines erfolglosen Folk-Musikers als Hauptfigur gedreht. Alversons Film folgt einer eigenen verschrobenen Logik, die einem Road-Trip ähnelt, mit dem Unterschied, dass sich der Protagonist auf seiner Reise die ganze Zeit um sich selbst dreht und am Ende kein erfüllendes Ziel erreichen wird, sondern endgültig in Trauer und Verzweiflung ertrinkt.

Einige Stars haben sich auch in den Film verirrt

Der Regisseur reißt dem öffentlich verbreiteten Eindruck der Comedy-Szene, bei der praktisch durchwegs gut gelaunte Künstler einen Gag nach dem anderen reißen und Menschenmassen zum Lachen bringen, die falsche Maske vom Gesicht und reduziert den amerikanischen Traum auf ein staubig-karges Skelett. Der Comedian wird auf monotone Weise mit seinen seelischen Schmerzen alleine gelassen und ist kaum noch dazu fähig, seine eigentliche Leidenschaft, das Publikum zu bewegen und in Gelächter zu versetzen, ausüben zu können. Zu limitiert sind die Menschen, die ihm nach seinen Auftritten zwar zu einer gelungenen Performance gratulieren, von seiner echten Persönlichkeit jedoch kaum weiter entfernt sein könnten, die er bewusst mit übertrieben gekünstelter Stimmlage im Verborgenen hält und mittlerweile scheinbar selbst nicht mehr zwischen Kunstfigur und Mensch unterscheiden kann. Hauptdarsteller Gregg Turkington ist die Sensation des Films, denn eine Präsenz wie er sie in jeder Szene zeigt, sieht man eher seltener bei Schauspielern. Die Figur seines Comedian gibt es dabei wirklich, denn in Gestalt von Neil Hamburger tourt Turkington bereits seit ungefähr 20 Jahren vorwiegend durch die USA, wobei er die Gemüter aufgrund seiner gewöhnungsbedürftigen Art mit voller Absicht spaltet.

Gewöhnungsbedürftig ist auch "Entertainment", der vielleicht auch als Meta-Film gelesen werden kann, in dem Regisseur und Hauptdarsteller der Kunstfigur ein bitteres Denkmal errichten, das sich vor dem tragischen Kern des Comedian mithilfe von episodenhaften, surrealen Begegnungen sowie einsamer Verzweiflung verneigt und in einzelnen Momenten, wie beispielsweise der unvergleichlich schockierenden Geburtsszene in einer Toilette, zum Staunen bewegt. Veredelt mit heutzutage kaum noch verwendeten CinemaScope-Bildern ist diese tonnenschwere, finstere Odyssee ins absolute Nichts ein Werk, das nicht jedem zusagen wird. Wer sich dagegen auf den anfangs eher repetitiv wirkenden Erzählfluss einlassen kann, wird mit einem intensiven, niederschmetternden Film belohnt, den man in solch einer Form nicht allzu oft sieht.

8 von 10 unter dem Arm gehaltene Drinks

von Pat

Review: DAS BRANDNEUE TESTAMENT – Gottes Tochter hat die Schnauze voll

Fakten:

Das brandneue Testament (Le tout nouveau testament)

BE/FR/LU, 2015. Regie: Jaco Van Dormael. Drehbuch: Jaco Van Dormael, Thomas Gunzig. Mit: Benôit Poelvoorde, Pili Groyne, Yolande Moreau, Catherine Deneuve, Laura Verlinden, Marco Lorenzini, Didier De Neck, Anna Tenta u.a. Länge: 112 Minuten. FSK: Freigegeben ab 12 Jahren. Auf DVD und Blu-ray erhältlich.

Story:

Gott lebt als gewöhnlicher Mensch mit Frau und Kind in Brüssel. Charakterlich ist er allerdings nicht der barmherzige Allmächtige, von dem sich alle erzählen, sondern ein abscheulicher Mistkerl, der mit dem Schicksal der Menschen ständige Späße treibt und seine Familie wie Dreck behandelt. Seine kleine Tochter hat eines Tages genug davon und setzt sich gegen den Vater zur Wehr. Sie veröffentlicht sämtliche Todesdaten aller Menschen auf einen Schlag, flüchtet von zu Hause und macht sich auf die Suche nach sechs Aposteln, mit deren Hilfe sie ein brandneues Testament schreiben will.

Meinung:

Jaco Van Dormael macht es seiner Fangemeinde nicht leicht, denn als wirklich produktiver Regisseur lässt sich der Mann wohl kaum bezeichnen. Im Zeitraum von 24 Jahren hat er gerade einmal vier Spielfilme gedreht und trotzdem ist Van Dormael für viele ein Unikat, was nicht zuletzt an seinem ungewöhnlichen Stil liegt, den man eigentlich nur lieben oder ablehnen kann. Zuletzt setzte der Regisseur die Erwartungshaltung für nachfolgende Werke recht hoch an, denn sein "Mr. Nobody" aus dem Jahr 2009 war ein derartig ambitioniertes, fantasievoll überbordendes, inszenatorisch vor Kreativität nur so explodierendes sowie emotional ergreifendes Werk über das Leben, die Liebe und überhaupt so ziemlich alles eigentlich.

Mit dem Gott aus der Bibel hat er hier nichts gemeinsam

Diese außergewöhnliche Handschrift wird auch in "Das brandneue Testament" zu Beginn bereits klar ersichtlich, wenn Van Dormael eine gleichermaßen absurde wie interessante Geschichte einleitet, in der Gott höchstpersönlich als gewöhnlicher Mensch mitten in Brüssel mit Frau und Tochter lebt und darüber hinaus charakterlich ein absolut verachtenswerter Mistkerl ist. Seine vernachlässigte Tochter will nicht länger mit ansehen, wie der Vater Späße auf Kosten der Schicksale anderer treibt und veröffentlicht sämtliche Sterbedaten aller Menschen auf einen Schlag. Zusätzlich macht sie sich daran, sechs Apostel zu versammeln, mit deren Hilfe sie die bisherige Bibel völlig umschreiben und somit das titelgebende brandneue Testament erschaffen möchte. Was zunächst als einfallsreicher Auftakt beginnt, der mit schrägen Ideen und einem auffällig fiesen Humor besticht, entwickelt sich allerdings schnell zu einem filmischen Totalausfall, bei dem Van Dormael den gesamten Film unaufhaltsam, aber dafür umso härter völlig an die Wand fährt. Als regelrechtes K.O.-Kriterium erweist sich dabei der misslungene Spagat zwischen den verschiedenen Erzählrichtungen, durch die der Streifen von einer extremen Richtung in die andere schlägt und alles über den Haufen wirft, was teilweise vielversprechende Momente vorab errichtet haben.

Eine Szene, so kurios wie sinnlos...

"Das brandneue Testament" ist als kaum definierbares Gesamtwerk, was erstmal nichts schlechtes zu bedeuten hat, der seit langer Zeit mit Abstand merkwürdigste, unrundeste und fehlgeschlagenste Versuch, schwarzen Humor, religiöse Satire und ekelhaft sich anbiedernden Wohlfühlkitsch unter einen Hut zu bringen. Im Kern der Handlung stehen die einzelnen Hintergrundgeschichten der Apostel, die von Gottes Tochter aufgesucht werden. Durch diesen Erzählstil, der sich hier generell ziemlich früh abnutzt und lediglich durch die gewohnt verspielte Inszenierung des Regisseurs aufgewertet wird, wirkt der Film wie eine Aneinanderreihung skurriler Episoden, deren Inhalte zwischen banal, uninteressant oder vollkommen deplatziert schwanken. Wenn ein sexbesessener Mann den großen Schwarm seiner Kindheit und gleichzeitig Indikator seines Lasters wiedertrifft, weil er mit ihr gemeinsam einen Porno synchronisiert oder eine Frau im reifen Alter die Erfüllung in Gestalt eines Gorillas findet, mit dem sie sich schließlich zärtlich ein Bett teilt, dann sind das schon mehr als nur unkonventionelle Formen, Spielarten der Liebe auszudrücken und man muss sich als Zuschauer verwundert fragen, was sich der Regisseur bei derart hanebüchenem Quatsch nur gedacht hat.

Was ebenfalls kaum miteinander harmonieren will, sind die bedeutungsschweren Klaviertöne auf der Tonspur, die große Tragik und selbstgefällige Poesie vermitteln wollen, sowie die vereinzelt eingestreuten Szenen von Gott, der wutentbrannt seiner Tochter hinterherjagt und dabei ständig von anderen Menschen, also seiner eigenen Schöpfung, verprügelt oder anderweitig körperlich geschädigt wird, was vermutlich beißende Ironie darstellen soll, im Angesicht der plumpen Umsetzung aber wirkungslos verpufft. Als kleiner Lichtblick erweist sich kurz vor dem Ende die letzte Geschichte, welche von einem todkranken Jungen handelt, der in der wenigen Zeit, die ihm noch bleibt, einfach nur seine bereits entdeckte Transsexualität ausleben möchte. Zerstört wird diese eigentlich würdevoll inszenierte Episode durch ein unglaublich feiges, ärgerliches Ende, bei dem der Streifen endgültig jegliche Hoffnungen auf einen wenigstens stimmigen Abschluss krachend begräbt. "Das brandneue Testament" ist eine schmerzhafte Enttäuschung, vor allem in Anbetracht dessen, was der Regisseur bisher an bemerkenswerten bis einzigartigen Werken geschaffen hat. Ein erschreckender Ausrutscher, bei dem man sich wünscht, dass wenigstens dieser einzigartig bleibt.

3 von 10 Schleudergänge in der Waschmaschine

von Pat

Review: THE TRUST - Korrupte Cops, Krumme Dinger und Crazy Cage

Fakten:

The Trust

US, 2015. Regie: Ben Brewer, Alex Brewer. Buch: Ben Brewer, Adam Hirsch. Mit: Nicolas Cage, Elijah Wood, Sky Ferreira, Jerry Lewis, Kevin Weisman, Steven Williams, Christie Beran u.a. Länge: 90 Minuten. FSK: Freigegeben ab 16 Jahren. Ab dem 29. April 2016 auf DVD und Blu-ray erhältlich.

Story:

Jim Stone und David Waters sind zwei Polizisten, die ihrem meist eher monotonen Alltag im Büro nachgehen. Als Jim mitbekommt, dass ein Heroin-Dealer eine auffällig hohe Kaution sofort zahlen kann, heftet er sich an dessen Fersen und stößt auf einen gut gesicherten Safe mit unbekanntem Inhalt. Zusammen mit David schmiedet er einen Plan, um die Kriminellen um deren Besitz zu erleichtern.

Meinung souli:

„Langeweile ist eine Sünde, für die es keine Absolution gibt.“, sagte Oscar Wilde einmal. Und gerne darf man dieses Zitat auch in Verbindung mit „The Trust“ bringen. Jim Stone und David Waters nämlich sind Polizisten in Las Vegas, ihr Alltag besteht jedoch nicht, entgegen des allgemeinen Irrglaubens, aus spektakulären Ermittlungen querfeldein durch die Stadt der Sünde und dem Ausheben von Massengräbern im trockenen Wüstensand Nevadas. Stattdessen herrscht hier vor allem Monotonie. Langeweile. Man treibt so durch das Leben, man sitzt es regelrecht aus, man lässt es schlichtweg über sich ergehen. Tatsächlich ist dieser entlarvende Blick auf die verklärte Polizeiarbeit, genau in diesem geographischen Sektor, überraschend treffend: Zum Verbrecher avanciert man, weil man sonst nichts Besseres zu tun hat, während am Horizont das Lichtermeer von Las Vegas den Nachthimmel erhellt. Sorgen bereitet man sich also selber, weil man einfach keine hat. Nicolas Cage, der schon lange nicht mehr so gut in Szene gesetzt wurde, und Elijah Wood geben an vorderster Front ein Duo, welches sich ebenfalls in die thematische Offenlegung des Drehbuches einquartiert und zeitweise durch einen Humor besticht, der nie forciert wirkt, sondern irgendwie in die Situation hineinplatzt, was ihn umso natürlicher erscheinen lässt. Stone und Waters sind keine souveränen Alleskönner, sondern fehlerbehaftete Normalos, die mit einer Instanz konfrontiert werden, der man sich in anderen Genre-Streichen gerne mal entledigt: Die eigene Moralauffassung und ihre Dehnbarkeit. Sicherlich ist „The Trust“ nicht herausragend geglückt, doch der Nihilismus und der Sinn für das alltägliche Danebenhauen, mit dem die Gebrüder Brewer den Zuschauer entlassen, macht durchaus Lust auf mehr.

6 von 10 buschigen Schnauzbärten

Meinung Pat:

"The Trust" ist ein Film, den man grundsätzlich nicht gesehen haben muss. Das Drehbuch von Ben Brewer und Adam Hirsch verfolgt zwei nicht ganz so saubere Cops bei ihrem Plan, den gut gesicherten Safe einer Drogendealer-Bande um dessen unklaren Inhalt zu erleichtern. Die Geschichte des Films verläuft dabei recht unspannend, folgt bis auf kleinere, unerwartete Zwischenfälle strikt dem Schema F und hebt sich ansonsten kaum von zahlreichen anderen B-Movies ab, in denen man solch eine Handlung fast auf genau die gleiche Weise erleben durfte. "Nicolas Cage" lautet allerdings der Grund, weshalb man "The Trust" ruhig mal sehen kann. An der Seite von Elijah Wood, der hier bodenständig, aber dadurch leider auch ziemlich unauffällig spielt, liegt es wieder einmal alleine an Crazy Cage, die Laune beständig oben zu halten. Seinem Spitznamen macht der Schauspieler in einigen Szenen mal wieder alle Ehre, schiebt sich Zitronenscheiben in den Mund, über die er vorher Tabasco gießt, telefoniert mit irrwitzigem Dialekt nach Deutschland, verliert das ein oder andere mal ordentlich die Nerven, lässt folgerichtig der mit mächtigem Schnäuzer bestückten Gesichtsdisco freien Lauf und sorgt wie gewohnt für eine Menge Spaß. Auf der Zielgeraden nimmt sich "The Trust" schließlich doch noch ziemlich ernst, was dem locker-amüsanten Tonfall, den der Streifen vorab durch einen in kleinen Dosen entfesselten Cage, schräge Situationskomik sowie einen spritzigen Soundtrack, in dem manche Songs bestimmte Szenen ironisch aufbrechen, merklich schadet. Als knapp überdurchschnittliche Genre-Kost für zwischendurch und selbstverständlich beinharte Fans von Nicolas Cage taugt "The Trust" auf die Schnelle, ist aber fernab der skurril-köstlichen Cage-Momente aufgrund des ziemlich beliebigen Drehbuchs nach dem Abspann bereits recht flott wieder vergessen.

5,5 von 10 nicht ganz glatt verlaufende Coups

Review: FEUERWERK AM HELLLICHTEN TAGE – China zwischen Noir-Gebrochenheit und moderner Depression

Fakten:

Feuerwerk am helllichten Tage (Bai Ri Yan Huo)

CN, 2014. Regie & Buch: Diao Yinan. Mit: Liao Fan, Kwai Lun-Mei, Wang Xuebing, Wang Jingchun, Yu Ailei, Ni Jingyang u.a. Länge: 109 Minuten. FSK: Freigegeben ab 16 Jahren. Auf DVD und Blu-ray erhältlich.

Story:

Im Jahr 1999 werden in verschiedenen Kohleanlagen Chinas abgetrennte Körperteile gefunden. Der Polizist Zhang Zili nimmt sich dem Fall an und macht bald konkrete Verdächtige aus. Die Festnahme eskaliert allerdings, zwei Polizisten werden getötet, Zhang schwer verletzt. Fünf Jahre später tauchen erneut Leichenteile auf, der Täter scheint derselbe zu sein. Zhang, der mittlerweile dem Alkohol verfallen ist und als Sicherheitsbeamter arbeitet, beginnt privat zu ermitteln.

Meinung:

Zunächst ist kaum erkennbar, was sich da überhaupt für ein Objekt in dem großen Kohlehaufen verbirgt, welches man die ersten Minuten dieses Films auf seiner Reise in die Kohleanlage begleitet. Als schließlich klar wird, dass es sich um einen abgetrennten Arm handelt, lässt sich bereits das erste Muster erahnen, das Regisseur Diao Yinan in seinem Werk "Feuerwerk am helllichten Tage" verfolgt.

Das ist schnell eskaliert...

Eben dieser Arm ist der Aufhänger eines Kriminalfalls, in dem der frisch geschiedene Polizist Zhang Zili ermittelt. Zu einer endgültigen Auflösung kommt es vorerst allerdings nicht, denn die Festnahme des Verdächtigten eskaliert, der Polizist verliert nicht nur zwei Kollegen, sondern fast auch das eigene Leben. Dieser kurzfristige Paukenschlag, den Yinan unvermittelt und sehr früh inszeniert, ist wieder so ein herber Einschlag im ansonsten so ruhigen Erzählfluss. "Feuerwerk am helllichten Tage" enthält eine Reihe solcher Szenen und Momente, in denen der Regisseur Stille mit hässlicher Gewalt aufbricht, das Schöne dem Verlorenen gegenüberstellt und vor allem stilistisch einen schmalen Grat entlang wandert. Yinan bedient sich für seine Geschichte und Figurenzeichnung ebenso bei zerrissenen Neo-Noir-Charakteren, meist gebrochene Existenzen, wie er im Gegenzug das desolate Gesellschaftsbild des gegenwärtigen Chinas aufgreift. Die Kamera führt den Betrachter immer wieder durch heruntergekommene Wohngegenden, trostlose Gassen oder vereinsamte Schauplätze, in denen Schmutz, Resignation und Hoffnungslosigkeit regieren. Im harten Kontrast hierzu sind viele Szenen oftmals von markanten Neonlichtern durchflutet, die dem jeweiligen Moment Wärme, Energie oder so etwas wie einen Puls verleihen.

Wirkt liebevoll, ist aber eigentlich eine sexuelle Belästigung

Zili erhält fünf Jahre nach seinem schockierenden Zwischenfall auch wieder so etwas wie einen Puls. Zwischenzeitlich ist er dem Alkohol verfallen, zum Wrack geworden und hält sich als Sicherheitsbeamter irgendwie am Leben. Dann tauchen sie erneut auf, die Leichenteile, die quer durch die Stadt verteilt wurden. Nach dem gleichen Schema abgetrennt, wieder exakt genauso entsorgt. Der zutiefst makabere Fall spornt Zili zu privaten Ermittlungen an, bei denen der Regisseur seine Hauptfigur mit einem ganz entscheidenden Zielkonflikt konfrontiert. Eine Frau, die mit allen bisherigen Mordopfern in Verbindung stand, wird zum Objekt der Begierde des Ex-Polizisten. Yinan erzählt fortan auf zwiegespaltene Weise von einem Menschen, der nur durch eine neue Frau in seinem Leben, also durch Liebe, neue Lebenskraft schöpfen kann, während in ihm der Drang nach Vollendung brennt, wonach er den ungelösten Fall, die Laster seiner Vergangenheit, die ihn bis heute verfolgen, ein für alle mal bezwingen möchte. Die verzwickte Situation, stilistisch zwischen zärtlicher Arthouse-Poesie und lupenreinem Genre-Film umgesetzt, verdichtet sich immer wieder in großartig inszenierten Spannungssequenzen, die durch lange Einstellungen glänzen und die Intensität kontinuierlich steigern.

Den Sinn für tragikomische Einschübe sowie skurrile Details legt der Regisseur dabei aber nie beiseite. Ein Pferd auf dem Flur inmitten eines Polizeireviers, eine ekstatische Tanzeinlage nach dem dramatischen Höhepunkt oder das titelgebende Feuerwerk am helllichten Tage sind nur einige Randnotizen, durch die Yinan seinen souverän erzählten wie stilvoll inszenierten Film auflockert, ohne den bitteren, harten Kern der tragischen Geschichte jemals zu verschleiern.

7,5 von 10 Mäntel in der Reinigung

von Pat

Review: DER HUNDERTJÄHRIGE, DER AUS DEM FENSTER STIEG UND VERSCHWAND – Ein Opa mischt die Weltgeschichte auf

Fakten:
Der Hundertjährige, der aus dem Fenster stieg und verschwand (Hundraaringen som klev ut genom fönstret och försvann)

Schweden. 2013. Regie: Felix Herngren. Buch: Felix Herngren, Hans Ingemansson, Jonas Jonasson (Autor). Mit: Robert Gustafsson, Iwar Wiklander, Mia Skäringer, Jens Hultén, Bianca Cruzeiro, Alan Ford, Sven Lönn, David Shackleton, u.a. Länge: 115 Minuten. FSK: Ab 12 Jahren freigegeben. Ab 7. August 2014 auf DVD und Blu-ray erhältlich.















Story:
Der Schwede Allan Karlsson hat Geburtstag. Sein hundertster. Doch im Altersheim, in dem er lebt, hält er es nicht mehr aus, also klettert er aus seinem Fenster und verschwindet. Während alles wegen seines Verschwindens in Aufruhr ist und Gott und die Welt nach Allan sucht, klaut er einem jungen, zwielichtigen Mann mit Lederjacke einen Koffer, in dem 50 Millionen Kronen drin sind. Natürlich wollen dieser Mann und seine Bande den Koffer wieder haben. So erlebt Allan das ein oder andere Abenteuer, erzählt von seiner bewegten Geschichte, in der er es mit Stalin, Franco und der Atombombe zu tun hatte, und gerät dazu, ganz nebenbei natürlich, auch in Lebensgefahr.

Meinung:
Wenn ein Buch über ein Jahr den ersten Platz so ziemlich jeder Bestseller-Liste einnimmt, dann ist eines so gut wie sicher: Es wird eine Verfilmung geben. Oft krallt sich Hollywood die Rechte, doch Jonas Jonassons Buch „Der Hundertjährige, der aus dem Fenster stieg und verschwand“ wurde in seinem Herkunftsland Schweden produziert. Dabei ist ein Film entstanden, der zwar für knapp zwei Stunden ordentlich zu unterhalten weiß, jedoch wohl kein Film ist, den man sich mehr als einmal ansehen braucht.

Allan steigt aus dem Fenster - und das Abenteuer beginnt

Prunkstück des Films, um gleich mal mit der Tür ins Haus zu fallen, das sind die Rückblicke Allans in seine Vergangenheit – und damit auch in hundert Jahre Weltgeschichte. Er trifft kleine, unbedeutende Menschen. Er baut in New York Hochhäuser. Er hat mit Diktatoren wie Franco oder Stalin zu tun und wirkt auch sonst quietschfidel in der großen Politik, stets unbedarft und ohne den blassesten Schimmer zu haben, was er denn hier genau tut. Diese Rückblicke sind das Prunkstück des Films. Doch leider hat man ihnen viel zu wenig Platz eingefügt. Natürlich sind alle Rückblenden des Buchs, soweit ich mich an meine Lektüre des Romans zurückerinnern kann, auch im Film enthalten, dennoch erscheinen sie einfach viel zu kurz. Das ist schade. Die eigentliche Hauptstory kann da einfach nicht mithalten, trotz ihrer Skurrilität.

Die Hauptstory, ja, die ist ein Kriminalstück, fast schon im Stile der Coen-Brüder, jedoch, ganz unskandinavisch, mit deutlich weniger Blut. Allan Karlsson flieht an seinem hundertsten Geburtstag aus dem Altersheim, stiehlt einen Koffer mit 50 Millionen schwedischen Kronen, bekommt es mit einer Gangsterbande und einem ausgewachsenen Elefanten zu tun und wird ganz nebenbei auch von der Polizei gesucht. Achja, ein paar Tote gibt’s natürlich auch noch. Obwohl wirklich viel passiert und trotz seiner skurrilen Geschichte will der Film einfach nicht in Schwung kommen. Ein Grund könnte die Behäbigkeit des Hauptdarstellers Robert Gustafsson sein, was aber auch verständlich ist: Seine Figur ist schließlich ein alter Mann. Aber auch in seinen jüngeren Jahren ist er ein Pol der Langsamkeit, was sich irgendwann auf die ganze Stimmung überträgt: Ruhig, lässig, gediegen. Was sich aber schlimmer auswirkt, dass ist, dass der trockene, teilweise auch schwarze Humor des Romans nicht adäquat in den Film übertragen werden konnte. Zugegeben, teilweise ist auch hier manch böse Spitze vorhanden, doch erreichen sie nicht die Ausgefeiltheit und Treffsicherheit von Jonassons Vorlage.

Ein skurriler Anblick ist dieser Haufen ja schon.

Robert Gustafsson, der beim Dreh noch keine 50 Jahre alt ist, sieht mit seiner Latexmaske ebenfalls nicht wirklich authentisch aus. Eben wie ein Kerl, der eine Maske aufhat, um einen hundertjährigen Mann zu spielen und nicht wie dieser Mann selbst. Dennoch spielt er ordentlich und kann die Unbekümmertheit Allans präsentieren, auch wenn er, wie bereits geschrieben, insgesamt zu langsam ist, besonders in seinen jüngeren Jahren. Die weiteren Darsteller erfüllen mit ihren sehr stereotypen Figuren jedes Klischee über die jeweilige Gruppe, können jedoch ebenso überzeugen. Optisch kann man nichts aussetzen, auch die Musik, die erst ein wenig merkwürdig, manchmal zu altbacken, manchmal zu fröhlich anmutet, geht irgendwann ins Ohr und man beginnt sogar, ein wenig mitzuwippen. Im Vergleich zur Vorlage fehlen dem Film natürlich viele kleine Details, die das Buch so besonders machen, aber das ist in einem Film nun mal schwer umzusetzen.

Insgesamt ist der Film zwar eine ganz unterhaltsame Sache, die auch nie wirklich langweilig wird, aber dennoch ist er nichts Außergewöhnliches und in vielen Dingen einfach zu lasch. Manchmal ist er lustig, manchmal zündet ein bissiger Kommentar Allans – und manchmal ist es einfach nur vorhersehbar, platt und nervig. So macht man zwar sicher nichts falsch, wenn man sich den Film ansieht, aber mehr kann „Der Hundertjährige, der aus dem Fenster stieg und verschwand“ halt leider auch nicht. Wahrscheinlich war dafür die Vorlage einfach zu gut.

6 von 10 Wodka mit Stalin

Review: GRAND BUDAPEST HOTEL – Sex, Crime und viel knallbunter Humor

Fakten:
Grand Budapest Hotel

UK, Deutschland. 2014. Regie: Wes Anderson. Buch: Wes Anderson, Hugo Guinness. Mit: Tony Revolori, Ralph Fiennes, Tilda Swinton, Edward Norton, Harvey Keitel, F. Murray Abraham, Jude Law, Willem Dafoe, Adrien Brody, Bill Murray, Jason Schwartzman, Saoirse Ronan, Mathieu Almaric, Jeff Goldblum, u.a. Länge: 100 Minuten. FSK: Ab 12 Jahren freigegeben. Ab 5. September 2014 auf DVD und Blu-ray erhältlich.

Story:
Im Jahr 1985 hat ein alter Schriftsteller eine Schreibblockade. 1968 traf der Schriftsteller, damals noch Leiter des „Grand Budapest Hotels“, dessen Besitzer Zéro Moustafa, der ihm von seinen Anfängen in diesem Hotel im Jahr 1932 erzählte – in fünf Episoden rund um ihn, den damaligen Concierge Monsieur Gustave (Ralph Fiennes), den Mord an einer alten Dame, ihr Erbe und eine irre Flucht eben jenes Monsieur Gustave, der als Erbe eines teuren Gemäldes beschuldigt wird, der Mörder zu sein.

Meinung:
Skurril, bunt und irgendwie seltsam. So könnte man „Grand Budapest Hotel“, den aktuellen Kinofilm von Wes Anderson, wohl am besten beschreiben. Gut, natürlich kann man so ziemlich jeden Film des amerikanischen Filmemachers mit diesen drei Worten beschreiben, aber immer und immer wieder treffen sie einfach zu. So wundert es auch nicht, dass dieser Film den Menschen, die schon nichts mit Andersons bisherigen Filmen anfangen konnten, sicher auch nicht gefallen wird. Der Rest wird auf die Reise nach Zubrowka geschickt, einem fiktiven, südosteuropäischen Zwergstaat, in dem das Grand Budapest Hotel steht, in dem und um das sich eine skurrile, rasante, unglaubliche, lustige und liebevoll ausgestaltete Geschichte um den Lobby Boy Zéro, den Hotelchef Monsieur Gustave und den Tod einer alten Dame und dessen Folgen.

Zero und M. Gustave inmitten von faschistischem Militär

Egal was man von dem Film hält, nacherzählen ist schier unmöglich. Wes Anderson verwendet drei verschiedene Zeitebenen: die äußere Rahmenhandlung im Jahr 1985, der innere Rahmen im Jahr 1968 und eine dritte, die eigentliche Geschichte, ab dem Jahr 1932, kurz vor Ausbruch eine Krieges. Und in diesen drei Zeitebenen erzählt er fünf aufeinander aufbauende Episoden, von der eine merkwürdiger und lustiger ist als die andere. Auffällig ist, dass neben den vielen merkwürdigen Begebenheiten auch immer wieder brutale und blutige Szenen vorhanden sind, die aufgrund der Comichaftigkeit des restlichen Filmes einerseits überraschend, andererseits auch umso härter erscheinen. Aber gut, letztlich handelt es sich ja auch um eine Kriminalgeschichte, da ist ein wenig Gewalt auch nicht verkehrt. Aber trotzdem ist „Grand Budapest Hotel“ extrem in allen Variationen. Besonders in die öffentlich verpönten Themen wie zum Beispiel Sex stößt er immer wieder vor und ist sich auch nicht zu schade, in Anlehnung an den zweien Weltkrieg ein wenig Geschichte und Politik in das fiktive Land Zubrowka zu bringen.

Junge Liebe inmitten rosaner Pralinenschachteln

Gedreht wurde der Film zu großen Teilen in Görlitz, wo sich Anderson unter anderem des Görlitzer Warenhauses und der Stadthalle bediente. Weiterhin wurden zahlreiche Aufnahmen in den Babelsberger Filmstudios gefilmt. Da verwundert es auch nicht, dass mit Florian Lukas oder Karl Markovics ein paar deutschsprachige Darsteller auftreten. Darüber hinaus hat sich um den jungen Tony Revolori ein All-Star-Cast versammelt, der den Zuschauer mit mehr als nur den Ohren schlackern lassen dürfte. In aller Kürze: Ralph Fiennes als M. Gustave, dazu Tilda Swinton, Edward Norton, Harvey Keitel, F. Murray Abraham, Jude Law, Willem Dafoe, Adrien Brody, Mathieu Almaric, Saoirse Ronan – ach verdammt, das ist noch nicht mal die Hälfte der bekannten Namen. Egal, sie alle spielen mit so viel Engagement und meist auch jugendlichem Elan, dass es einfach eine Freude ist, ihre (bis auf Fiennes und Revolori) kurzen Auftritte zu beobachten.

Laut Anderson selbst ist „Grand Budapest Hotel“ inspiriert von Werken des österreichischen Schriftstellers Stefan Zweig. Dessen meist melancholischer, resignativer und doch dramatischer Stil überträgt sich auch merklich auf den Film. Das ist gut so, denn eine reine Komödie, so irrwitzig sie auch sein mag, ist der Film nicht. Vielmehr hat er auch zahlreiche Aspekte, die zum Nachdenken anregen, die einen traurig stimmen oder die eine gewisse Ratlosigkeit zurücklassen. Trotzdem dominieren die skurrilen Figuren und der fantastische Wortwitz. Gemeinsam mit der farbenfrohen Pracht und der luxuriösen und reichlichen Ausstattung des Film, der hervorragenden Kameraarbeit Robert D. Yeomans und besonders auch mit der fantastischen Filmmusik von Alexandre Desplat ist „Grand Budapest Hotel“ ein skurriler Trip für alle Sinne geworden. Ein typischer Wes Anderson-Film, der – wie so oft – so viel mehr kann als nur unterhalten und dazu noch genügend Schauwerte, inhaltliche Vielfalt und Raffinesse bietet, ihn sich immer wieder anzusehen.

8 von 10 Jungen mit Apfel